SAN SEBASTIÁN 2017

DONOSTIA ZINEMALDIA

65º Edición (22-30 septiembre de 2017)

Director: José Luis Rebordinos

 

 

(Algunos de los carteles de las numerosas secciones que tiene el Festival)

 

Sigo pensando que el Festival trata de abarcar demasiado con Secciones que deberían ser más bien de Festivales especializados como “Savage Cinema” (creada hace seis años) o “Culinary Zinema”. Con la Sección Oficial, Nuevos Directores, Perlas, Horizontes Latinos, Made in Spain y la retrospectiva hay más que suficiente.

 

La retrospectiva de este año está dedicada a Joseph Losey. Con tal motivo se ha publicado un libro colectivo a cargo de Quim Casas y Ana Cristina Iriarte en el que colaboran autores habituales como Antonio Santamarina, Carlos Losilla, Carlos F. Heredero, Jordi Costa, Sergi Sánchez…. Lástima no poder seguir estas proyecciones aunque son varios los títulos de los que dispongo y afortunadamente este ciclo suele proyectarse luego en Filmoteca Española (Madrid). Se van a exhibir 32 largometrajes y 6 cortometrajes (entre ellos su única tentativa en el campo de la publicidad)

 

 

Los tres premios Donostia de este año son: Monica Bellucci, Ricardo Darín y Agnès Varda. Curiosamente este año no hay ningún estadounidense.

 

 

El Jurado Oficial estará presidido por John Malkovich. El 18 de septiembre se informó de la incorporación de dos nuevos miembros a este Jurado: Jorge Guerricaechevarría y André Szankowski.

Entre las actividades paralelas destaco la magnífica exposición “Alfred Hitchcock. Más allá del suspense” que ya pude ver en Madrid (Fundación Teléfonica) http://www.cinepastor.es/Hitchcock(Fuencarral).htm y que está comisariada por Pablo Llorca. Parece que Hitchcock esta abonado a San Sebastián dado que el año pasado se celebró otra exposición: “Welcome Mr. Hitchcok”: http://www.cinepastor.es/Hitchcock.htm. Ya veremos en 2018...

 

 

Antonio Banderas ha recogido el sábado 23 de septiembre el Premio Nacional de Cinematografía 2017.

 

Paz Vega ha recibido el “Premio Jaeger-LeCoultre al Cine Latino”.

 

 

Momentos de este Festival: la enorme emoción que transmite el plano final de “Call me by your name”, la bronca motivadora de Antonio de la Torre a Javier Cámara en “El autor”, la frescura general que transmite Agnès Varda y JR en “Visages, villages”: “Godard eres una rata”, el sorprendente guión de “Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri”, el doloroso plano del cadáver de Sean en “120 pulsaciones por minuto”, el ambiente de alegría y juventud durante la proyección de “La llamada”, ver en persona a Jean-Pierre Lèaud (el mítico Antoine Doinel del mítico Truffaut), la música de Carter Burwell en “El museo de las maravillas”… Todos estos momentos permanecerán en mi memoria y no se perderán como lágrimas en la lluvia… (o al menos eso espero)

 

(Las dos imágenes con las que he participado en Instagram, #moment65SSIFF. Las dos han estado entre las destacadas)

 

He podido ver 38 largometrajes, 1 documental y 4 cortometrajes. Para una mejor comprensión indico el patrón personal que sigo a la hora de la calificación crítica de las películas:

 

(o)              Espantosa

(*)              Mala

(**)            Se puede ver

(***)          Buena

(****)        Muy buena

(*****)      Obra maestra

 

Sección Oficial

 

.- No puede decirse que haya habido un título sobresaliente en la Sección Oficial. Puedo afirmar que por mi impresión personal, comentarios en redes y el “boca a boca” sonó mucho la película rumana “Pororoca”, la comedia “The disaster artist” y la película, principalmente alemana, “El Capitán”. Antes de la lectura del palmarés estos eran los tres títulos que más se comentaban.

 

.- Se presentan 25 películas en la Sección Oficial de las cuales 18 compiten por la Concha de Oro, entre ellas 4 películas con participación española: “Handia”, “El autor” (coproducida con México), “La vida y nada más” (coproducida con USA) e “Inmersión” (con Alemania y Francia). Curiosamente este año no hay ningún título asiático a concurso (chino, japonés, coreano…).

 

.- (*) “Inmersión” (“Submergence”, Wim Wenders, Alemania-Francia-España)

 

Drama. Inaugura a concurso la Sección Oficial el 22 de septiembre. Se ha presentado recientemente en Toronto 2017 y éste es su estreno europeo. Lenguaje narrativo clásico que se limita a intercalar flash-back. Rodada en parte en España.

 

Primera película que se proyecta en el Festival. La enorme sala del Kursaal 1 está completamente llena. Aplausos tibios al final. Escucho a unas señoras que tengo delante decir “¡Qué peliculón!”… no salgo de mi asombro.

 

Sinopsis: Ella es biomatemática y está realizando una investigación en las profundidades del océano. Él trabaja como espía para el M16 británico y es capturado en Somalia donde seguía la pista de unos terroristas que querían atentar en Europa.

 

Absolutamente fallida y eso que era uno de “los platos fuertes”. Quizás la novela funcione, no lo sé, lo que está claro que la película es un fiasco. En el cartel de la película puede leerse: "La esperanza no tiene límites"... y en Twitter he escrito que el aburrimiento sí. Tediosa, aburrida, unos diálogos tontos impropios de un guión decente. La música obra de Fernando Velázquez es enfáticamente espantosa, subraya de forma grandilocuente determinadas secuencias y queda fatal. Las críticas generales en redes sociales han sido pésimas. Es extraño que un director de tanto prestigio y con obras importantes sea capaz de filmar y firmar esto y se quede con una ancha sonrisa (supongo que le habrán pagado bien). Bueno todos los grandes directores (creadores) han tenido siempre altibajos en sus realizaciones, sería de estúpidos exigirles siempre “obras maestras”.

 

Palabras clave: Terrorismo. Ciencia. Espías. Atentados.

 

De vacío en el palmarés. Lógico

 

 

.- “Alanis” (Anahí Berneri, Argentina)

 

Drama. También presentada en Toronto. Se proyecta el primer día (22 de septiembre)

 

Desgraciadamente y a pesar de dos intentos no pude verla. La sala de los Cines Trueba 1 se queda muy pequeña y fuimos muchos los acreditados de prensa que nos quedamos a las puertas sin poder entrar.

 

Ha recibido el premio Concha de Plata a la mejor directora (primera vez que este galardón lo recibe una mujer… parece mentira) y la Concha de Plata a la mejor actriz para Sofía Gala Castiglione; además del Premio de Cooperación Española.

 

Tráiler: https://youtu.be/ZGBC-PjYBCg

 

 

.- (**) “El autor” (Manuel Martín Cuenca, España-México):

 

Drama.Y como no, también se estrenó mundialmente en Toronto donde obtuvo el premio de la crítica. Se presenta el primer día de exhibición (22 de septiembre) lo cual no suele ser muy bueno de cara al palmarés final. Una de las tres películas españolas a concurso. Lenguaje narrativo absolutamente clásico.

 

Sinopsis: Álvaro (Javier Gutiérrez) asiste a cursos de escritura, su gran sueño es escribir una gran novela. Su mujer (María León) ha logrado el éxito editorial. Álvaro buscará en la realidad que le rodea la inspiración para su escritura manipulándola si es preciso.

 

Aunque el fondo es dramático tiene muchas pinceladas de comedia. Está basada en la primera novela corta de Javier CercasEl móvil”. La última realización de Manuel Martín Cuenca es la excelente (***) “Caníbal” que también estuvo a concurso en San Sebastián 2013. Cuatro años, para un director, sin ponerse detrás de las cámaras es mucho tiempo. Javier Gutiérrez (aunque aún sea muy pronto) puede ser firme candidato a la Concha de Plata al mejor actor. La película se ve bien, evoluciona correctamente y tiene un desenlace adecuado. Las secuencias de las sombras en las paredes del patio transmiten acertadamente esas sensaciones de intromisión en la intimidad de los demás. Por cierto, por favor, que subtitulen al español a María León

 

Palabras clave: Literatura. Escritores. Adulterio. Creatividad. Talento.

 

Al final se fue de vacío del palmarés. Quizás hubiera merecido algún tipo de reconocimiento.

 

Tráiler: https://youtu.be/djYzR1jAEsk

 

 

.- (**) “La douleur” (Emmanuel Finkiel, Francia):

 

Drama. Pase con público y prensa en el precioso Teatro Victoria Eugenia. Tibios aplausos al final. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Siglo XX. Junio de 1944. Marguerite Duras (Mélanie Thierry) vive en el París ocupado por los nazis. Su marido ha sido apresado. Ella hace todo lo posible para contactar con él.

 

Un tanto tediosa. El director y guionista utiliza una excesiva voz en off durante toda la película que lastra el conjunto. Tiene secuencias muy buenas pero se tiene la sensación de que toda la película reside en el postureo intelectual de Marguerite Duras, que no para de fumar y de dirigir miradas lánguidas. A pesar de que el desenlace busca una mayor tensión narrativa el director no sabe plasmarlo en imágenes, sonidos. Se deja ver pero poco más.

 

Palabras clave: 2ª guerra mundial. Escritoras. Regreso. Campos de concentración.

 

De vacío en el palmarés.

 

.- (**) “Handia” (Aitor Arregi y Jon Garaño, España):

 

Drama. Pase de prensa en el Teatro Principal. Aplausos al final. Película rodada en euskera. Una de las apuestas claras del cine vasco y español en este Festival. Lenguaje narrativo clásico. Basada en la historia de Miguel Joaquín Eleicegui Arteaga más conocido como el “Gigante de Altzo” (1818-1861).

 

Sinopsis: Siglo XIX. 1836. En un caserío subsiste una familia con bastantes apuros. Miguel y Joaquín son dos hermanos que ayudan en las tareas. Miguel es reclutado a la fuerza para la guerra carlista. Cuando regresa su hermano, que sufre de acromegalia, se ha convertido en un gigante de casi 2,5 metros de altura. Juntos empezarán a recorrer ferias y ciudades de España y Europa para ingresar un sustancial dinero.

 

Lástima. Una película que desde el punto de vista estético resulta muy bella. Tiene una magnífica fotografía, unos encuadres sobresalientes pero creo que los directores no han sabido darle el ritmo, la estructura, el desenlace necesario. Quizás los actores, quizás la historia en sí que no pasa de ser un simple argumento. Por ejemplo el “El hombre elefante” (David Lynch) presenta un guión mucho más convincente quizás porque está más centrado en la maldad humana. No sé, el caso es que “Handia” es una película interesante, que se ve bien pero que no alcanza esa tensión narrativa que necesitaba. La película encierra la metáfora del crecimiento de Joaquín como símil de los cambios constantes que se experimentaron en el siglo XIX y el proceso de adaptación que esos cambios conllevan. En el Museo de San Telmo de San Sebastián hay varios objetos que al parecer pertenecieron al gigante.

 

Palabras clave: Gigantes. Monstruos. Hermanos. Guerras carlistas. Enfermedad

 

Ha obtenido el Premio Especial del Jurado y el Premio Irizar al Cine Vasco. Me parece estupendo que el Jurado haya considerado ese Premio Especial aunque más bien parece para contentar al Festival, a San Sebastián o a quien sea.

 

Tráiler: https://youtu.be/sXQ9FobIP9g

 

 

.- (***) “C´est la vie” (Éric Toledano y Olivier Nacache, Francia):

 

Comedia. Vista en el Teatro Victoria Eugenia. Muchos aplausos al final e incluso durante una secuencia muy divertida. Lenguaje narrativo clásico. De las pocas comedias que suelen presentarse a concurso (y este año tenemos dos).

 

Sinopsis: Max (Jean-Pierre Bacri) lleva una empresa de organización de bodas. El próximo encargo que tienen contratado les pondrá a todos a prueba.

 

Una gozada desde el primer minuto. Mantiene, sobre todo en las primeras secuencias, un ritmo cinematográfico que recuerda al de las mejores comedias estadounidenses y me atrevo a nombrar a Billy Wilder y a Blake Edwards. El grupo de actores con Jean-Pierre Bacri a la cabeza está excepcional, los diálogos cargados de ironía, cómo se van entrecruzando las diferentes historias en un alarde de coralidad, todo se desarrolla de manera en apariencia sencilla hasta llegar a un correcto desenlace. Como indicaba: una gozada.

 

Palabras clave: Bodas. Fiestas. Cátering

 

De vacío en el palmarés.

 

Tráiler: https://youtu.be/qpw8Qaud-AM

 

 

.- (**) “No juge, ni soumise” (Jean Libon e Yves Hinant, Francia-Bélgica):

 

Drama. La he visto, y no es muy habitual en mí, en el pase en el Kursaal 1, a las 16 horas, en pase de público y prensa y con la presencia del Jurado Oficial. Me ha llamado la atención la seriedad de John Malkovich dirigiéndose a su butaca, parece que se toma muy en serio su labor como Presidente del Jurado y me parece fantástico que así sea. Aplausos al finalizar y muchas risas durante la proyección.

 

Sinopsis: la jueza de Bruselas Anne Gruwez es muy especial en el desarrollo de su trabajo. Su ironía se mezcla con su locuacidad y sus formas a la hora de impartir justicia.

 

En realidad se trata de un documental protagonizado por una singular jueza de instrucción de Bruselas que desde luego no tiene pelos en la lengua. Durante la proyección te preguntabas hasta qué punto era real o era ficción, y resulta que todo es real, lo que, a menos a mí, me provoca cierta desazón. Por ejemplo se exhuma un cadáver y se ve cómo se saca el cuerpo y se le corta un trozo de hueso… desde luego si es real me parece de muy mal gusto o, por ejemplo, las fotografías de dos prostitutas que fueron asesinadas. Tengo entendido que la rueda de prensa ha sido bastante surrealista. Veo de madrugada la rueda de prensa a través del canal del Festival y en ella han afirmado que la realidad es mucho peor, que ellos han hecho una película amable y que la intención era mostrar la realidad del trabajo de esta jueza. Evidentemente no le podrán dar la Concha de Plata a la mejor actriz porque sencillamente no está interpretando.

 

Palabras clave: Jueza. Ley. Justicia.

 

Increíblemente le han dado una mención especial como actriz. Repito que no actúa: es ella. No puedo entenderlo. También le han concedido una mención especial del premio Signis.

 

Una secuencia: https://youtu.be/Nu7aksi4MY8

 

 

.- (*) “Una especie de familia” (Diego Lerman, Argentina-Brasil-Francia):

 

Drama. Vista en pase de prensa en el Teatro Principal. Algunos aplausos al final. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: En Argentina. Malena quiere ser madre adoptando a un bebé. Ha establecido un acuerdo con una joven madre que ya tiene otros hijos y vive en la pobreza para hacerse ella cargo. Diversas complicaciones de legalidad envolverán al caso.

 

Particularmente no me han convencido, es como un telefilm de sobremesa no a efectos de producción, claramente, sino más bien respecto al argumento de la película. Bárbara Lennie está bien e incluso sonaba para Concha de Plata pero hay algo que no acaba de funcionar. Sorprende que España no conste en esta coproducción.

 

Palabras clave: Madres. Adopción.

 

Le han dado, a mi parecer, inexplicablemente, el premio al mejor guión que firma Diego Lerman y María Meira.

 

Tráiler: https://youtu.be/iRv8b4fdpcg

 

.- (**) “Mademoiselle Paradis” (Barbara Albert, Austria-Alemania):

 

Drama. Pase en el Teatro Victoria Eugenia. Aplausos al final. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Siglo XVIII. 1777, Viena. Maria Theresa Paradis (Maria Dragus) es una joven pianista ciega de muy buena familia. Acude a la casa de un doctor donde permanecerá ingresada sometida a un nuevo tratamiento. A medida que recupera la vista va perdiendo su talento musical.

 

La interpretación de Maria Dragus es excepcional, los gestos, los movimientos de ojos, el balanceo que hace interpretando a la pianista ciega es perfecto y lo puedo asegurar con conocimiento de causa (he trabajado con ciegos durante muchos años). La música barroca que se oye (mucho de Bach) es una gozada. Y por supuesto todo lo relativo a dirección artística y vestuario. Aún siendo una película de impecable narrativa cinematográfica y con una factura artística y técnica sobresaliente no ha figurado, en ningún momento, entre las candidatas.

 

Palabras clave: Ciegas. Música. Arte. Talento. Discapacitados.

 

De vacío en el palmarés.

 

Tráiler: https://youtu.be/zRQ25utQR0g

 

 

.- (**) “Love me not” (Alexandros Avranas, Grecia-Francia):

 

Drama. Pase de tarde en el Kursaal 1 con el Jurado y los miembros del equipo de la película (Director, actriz…). Aplausos al final y algún silbido. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Un matrimonio contrata a una joven para que sirva como vientre de alquiler y así poder tener un hijo. Pero las cosas no son lo que parecen.

 

Buen inicio, integrante desarrollo y horrible final. En mi opinión se le ha ido de las manos al director toda esa parte final que es mejor olvidar. Es una pena que una película que hasta la mitad del metraje se ha seguido con mucho interés caiga de forma tan estrepitosa por un erróneo guión. Me pregunto qué desenlace le hubiera dado Michael Haneke…Está basada en una historia real que ocurrió en Grecia en 2010.

 

Palabras clave: Vientres de alquiler. Mentiras. Seguros. Tortura. Violación.

 

De vacío en el palmarés como no podría ser de otra forma.

 

 

.- (***) “Pororoca” (Constantin Popescu, Rumanía-Francia):

 

Drama. Vista en el Teatro Victoria Eugenia el martes 26 de septiembre. Aplausos generales. Durante todo el día ha circulado por las redes sociales las muchas opciones que tiene esta película en alzarse con la Concha de Oro… podría ser. Lenguaje narrativo clásico si bien el director juega a mantener, más de lo convencional, algunos planos fijos.

 

Sinopsis: Un matrimonio joven tienen dos hijos pequeños, María e Illie. Todo va bien, son felices, tienen trabajo, amigos... La vida les sonríe. El padre va al parque con los hijos y María desaparece…

 

Tercera película de este director Aunque tiene un metraje de 152 minutos y a pesar de largos planos en los que parece que no sucede nada, se ve con gran interés y angustia. Ciertamente la película te absorbe. Es posible que influya mucho en el espectador si se tienen hijos o no. En mi caso recuerdo que cuando mi hija era pequeña procuraba no perderla de vista ni un segundo y aún así, un día se extravió durantes unos segundos en un Centro Comercial (al igual que pasa en la película en menos de una millonésima de segundo desaparece, ya no está y un miedo atroz se apodera de ti). Todo esto está muy bien reflejado en la película. Desde el instante de la desaparición al cierre de la película. Todo ese proceso es demoledor. Poco a poco pasan los minutos, las horas, los días, las semanas… y tu vida ha desaparecido en esa angustia de no saber el paradero de tu hija. El resto del mundo desaparece también y sólo te queda un vacío inmenso. El final, que prefiero no desvelar, es muy impactante.

 

Palabras clave: Secuestros. Padres-hijos. Desapariciones.

 

El actor Bogdan Dumitrache ha obtenido, de forma muy acertada, la Concha de Plata al mejor actor. De hecho es el único acierto que he tenido en mi porra de posibles galardonados. Si la película hubiera obtenido la Concha de Oro nadie se habría rasgado las vestiduras.

 

Tráiler: https://youtu.be/_fpqA49iYQI

 

 

.- (**) “Sollers point” (Matthew Porterfield, USA):

 

Drama. Vista en el Kursaal 1 en pase de tarde y como siempre (y da gusto verlo) lleno hasta la bandera con presencia del Jurado y del equipo de la película. Aplausos al final. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Un joven ha salido de la cárcel. La relación con su padre es muy negativa. Su madre murió. Aunque intenta rehacer su vida su carácter, su entorno, jugarán en su contra.

 

Correcta aunque mil veces vista en la modalidad “joven conflictivo”. Muy centrada en la relación fracasada entre el padre (Jim Belushi) y el hijo. En este caso es la madre el personaje ausente. Trata de rehacer su vida pero su impaciencia, su violencia interior y exterior le marcan inexorablemente el camino. Estas son las clásicas películas de relleno de cualquier Festival.

 

Palabras clave: Juventud. Delincuencia. Padres-hijos. Drogas.

 

De vacío en el palmarés. Normal.

 

 

.- (**) “Life and nothing more” (“La vida y nada más”, Antonio Méndez Esparza, España):

 

Drama. Vista en el Teatro Principal en pase de prensa. Algunos aplausos al final (entre ellos los míos). Película española aunque rodada en Estados Unidos con actores americanos y en inglés. ¡Cómo han cambiado los tiempos!... y para bien. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Regina (Regina Williams) es la madre de un joven adolescente y de una niña más pequeña. Su marido está en la cárcel, y ella, sola, trata de sacar adelante a su pequeña familia con mucho sacrificio.

 

Me ha sorprendido muy gratamente. Una película de pequeño presupuesto, muy independiente, donde el director muestra un gran dominio de la narrativa cinematográfica dándole el ritmo justo, las secuencias necesarias, las interpretaciones dotadas de una gran naturalidad y realismo. Una película que va de menos a más con un fabuloso plano final. Los actores son todos ellos no profesionales y Regina Williams, que interpreta a la sacrificada madre, debuta en el cine con esta película y es fabulosa; podría obtener sin problemas la Concha de Plata a la mejor actriz y de hecho fue mi opción en los premios que yo hubiese votado.

 

Palabras clave: Madres. Adolescencia. Familia

 

Ha obtenido de forma muy merecida el Premio Fipresci además del Premio Signis.

 

Tráiler: https://youtu.be/2TITMKM5MkE

 

 

.- (***) “The disaster artists” (James Franco, USA):

 

Comedia. Vista en el Teatro Victoria Eugenia. Muchos aplausos al final y muchas risas. Lenguaje narrativo clásico si bien al principio intercala algunas breves entrevistas a modo de documental.

 

Sinopsis: El joven Greg Sestero (Dave Franco) quiere triunfar como actor. En unas clases conoce a otro candidato a actor, Tommy Wiseau (James Franco) un estrambótico personaje, pésimo actor pero que dispone de una enorme cantidad de dinero sin que se conozca su procedencia. Ambos se hacen amigos y planean rodar su película “The room” con Wiseau como director, guionista, actor, montador,…

 

Buena comedia que sabe ir de menos a más, progresando adecuadamente. Desde 1998 ninguna comedia ha vuelto a ganar la Concha de Oro (en aquella ocasión fue “El viento se llevó lo qué”). Todo lo que se ha montado en torno a “The room” (la película cuyo rodaje recrea “The disaster artist”) me parece un tanto excesivo, si bien, resulta curioso-gracioso que una película mala de solemnidad haya alcanzado ese status de título de culto. Hay otras películas que tienen esa consideración, por ejemplo, “The rocky horror picture show” pero en este caso se trata de un excelente musical. Se estrenará el 26 de enero de 2018.

 

Palabras clave: Cine. Actores. Fracaso. Éxito

 

Concha de Oro a la mejor película y Premio Feroz Zinemaldia que concede la crítica. La Concha ha sido muy bien recibida por todo el mundo, no ha habido los clásicos pitidos o desacuerdos. Como indicaba al inicio estaba claro que el máximo galardón se decidía entre “The disaster artist”, “Pororoca” y “El Capitán” (exhibida el último día).

 

Enlace de YouTube para ver “The room” (Tommy Wiseau, 2003) en V.O.: https://youtu.be/NJ73ijJqw3o (aviso a navegantes: es malísima)

 

Tráiler subtitulado en español: https://youtu.be/OBl1YmI6pZ4

 

 

.- (*) “Beyond Words” (“Más allá de las palabras”, Urszula Antoniak, Polonia-Países Bajos):

 

Drama. Vista en el Kursaal 1 lleno como siempre y en presencia del Jurado y de los miembros del equipo. Lenguaje narrativo clásico si bien se permite alguna pequeña cuestión que intenta buscar alguna originalidad formal. En blanco y negro.

 

Sinopsis: Michael es un joven y exitoso abogado de Berlín de origen polaco y judío. La aparición de su padre, al que creía muerto, trastrocará su cómoda vida.

 

En mi opinión carece de un argumento con la suficiente entidad para armar la estructura de toda una película. Los mecanismos dramáticos son excesivamente simples. Ese conflicto padre-hijo es un tema muy recurrente en cientos de películas pero por sí solo no es suficiente. Por ejemplo en “Rebelde si causa” (Nicholas Ray, 1955) muy centrada en el conflicto familiar, las historias paralelas, el propio contexto histórico dotan al conjunto de una mayor envergadura narrativa a las distintas secuencias. En el caso de “Beyond words” hay alguna aspecto colateral (el racismo que subyace en la relación del jefe alemán con el empleado polaco) pero prácticamente no se desarrolla, A destacar algunos planos que recuerdan alguna de las grandes películas de los años sesenta.

 

Palabras clave: Abogados. Padres-hijos. 

 

De vacío en el palmarés lo que creo viene a confirmar que su aparente pretensión de cine de autor se queda en poco.

 

Tráiler: https://youtu.be/X0gD6TgBPik

 

 

 

.- (***) “El Capitán” (“Der Hauptmann / The Captain”, Robert Schwentke, Alemania. Francia. Polonia):

 

Drama. Vista en el Teatro Victoria Eugenia. Aplausos al final. Narrativa cinematográfica clásica. En blanco y negro. Muy buena aceptación general. 

 

Sinopsis: Abril de 1945. La guerra en Europa está a punto de finalizar. Un joven soldado alemán huye (posiblemente ha desertado) y de forma fortuita se encuentra con el coche abandonado de un capitán alemán y en su interior un traje completo. El joven soldado se viste con la ropa del capitán. A partir de ese momento sus intenciones, y su comportamiento, cambian de forma radical.

 

Se ha exhibido el último día a competición (viernes) lo que no suele ser muy bueno de cara al palmarés. Una vez proyectada los comentarios generales han sido muy positivos lo que le daba serias opciones para ganar la Concha de Oro. Segunda película en blanco y negro de esta sección oficial. Tiene secuencias que me recuerdan al mejor cine de antaño, tipo “El puente” (Bernhardt Wicki, 1959) que también se desarrolla en abril de 1945. La evolución de la historia es muy buena aunque algo repetitiva en su tramo final. Encierra una evidente y preocupante metáfora que en este caso echa por tierra aquello de que el hábito no hace al monje. Al disfrazarse de Capitán asume el rol que le corresponde en unos momentos decisivos de la guerra, cuando los oficiales alemanes, viendo la guerra perdida, castigaban duramente a los desertores (fusilamientos directos o juicios de guerra sumarísimos). Tiene secuencias tremendas de una gran barbarie y algunas inolvidables como esos oficiales nazis aullando a la luna como una manada de locos. Gran título que me reconcilia con el buen CINE a pesar de que el director es el que ha dirigido las entregas de “Insurgente” y “Leal” para la espantosa serie cinematográfica para adolescentes de “Divergente”.

 

Sobre los créditos finales nos ofrece imágenes rodadas en el tiempo actual de la Brigada Expres Herold actuando como si estuvieran en 1945. Recorren las calles de una gran ciudad pidiendo la documentación, registrando a la gente y aunque los viandantes parecen tomárselo a broma, un escalofrío recorre tu cuerpo pensando si nos tocara volver a vivir aquello. Afortunadamente resulta impensable que algo parecido vuelva a suceder aunque también parecía impensable la barbarie en Yugoslavia a finales del siglo XX…

 

Palabras clave: 2ª guerra mundial. Ejército. Genocidio. Desertores. Torturas. Barbarie

 

Ha obtenido un pequeño premio de consolación a la mejor fotografía. Desde luego merecía mucho más: un premio especial del Jurado, una Concha de Plata al mejor director….

 

 

.- (**) “El león ha muerto esta noche” (“Le lion est mort ce soir”, Nobuhiro Suwa, Francia-Japón):

 

Vista en el Kursaal 1 en pase de tarde. Como siempre (y es admirable) lleno a rebosar. El equipo estaba presente y entre ellos el mítico Jean-Pierre Lèaud (Antoine Doinel en las películas de Truffaut). Por cierto que ha hecho algo muy raro cuando antes de proyectar la película, por altavoz se dice el título y se nombra al director, actor,… el público aplaude en un gesto y ellos se ponen de pie iluminados por los focos; pues bien, Jean-Pierre Lèaud se ha puesto de pie y ha cruzado los brazos sobre el pecho de forma ostentosa, un tanto extraña, ridícula… Aplausos al final. Lenguaje narrativo clásico si bien utiliza esa especie de metáfora visual con el león que se le aparece al niño en dos ocasiones (un niño que perdió a su padre y que desea soñar con él, verle en sus sueños)

 

Sinopsis: Jean (Jean-Pierre Lèaud) es un actor que se encuentra en pleno rodaje. Surge un problema con la actriz y el rodaje se suspende por unos días. Aprovecha para ir a ver a una antigua amiga de la zona y visitar la casa donde conoció a Juliette, una joven de la que estuvo muy enamorado, pero que murió muy joven. Allí, en la casa, volverá a verla y a conversar con ella. Unos niños de la localidad están rodando una película de fantasmas por la casa y el actor les ayudará.

 

Jean-Pierre Lèaud actúa de forma un tanto hierática, inexpresiva, se tiene la sensación de que no actúa que simplemente él es así en la vida real. De hecho su nombre no ha sonado en ningún momento como candidato a la Concha de Plata. La película tiene un encanto especial ver a esos niños cámara en mano y con la pértiga del sonido tratando de grabar su película de fantasmas. Nos muestra esa libertad creativa, ese amor por el CINE, ese deseo de contar una historia, por sencilla que sea. Es una película que encajaría muy bien como pareja en “Visages, villages” (Agnès Varda) donde igualmente se respira ese aire de total libertad cinematográfica. Tengo entendido que la rueda de prensa ha sido un monólogo de Jean-Pierre Lèaud (tengo pendiente verla por Internet). El título de la película corresponde a una célebre canción (https://youtu.be/yGaIfuPIa7s)

 

Palabras clave: Cine. Infancia. Fantasmas. Actores. Recuerdos

 

De vacío en el palmarés. No creo que le haya beneficiado exhibirse el último día.

 

 

.- “Soldatii. Poveste din ferentari” (Ivana Mladenovic, Rumanía-Serbia-Bélgica):

 

Drama. Sintiéndolo mucho el cansancio me ha pasado factura y no he podido verla (junto con “Alanis” las dos únicas películas a concurso de la Sección Oficial que me he perdido). De todas formas y por lo leído en las redes sociales no parece que fuera bien recibida, más bien, todo lo contrario.

 

Le han dado una mención especial de los Premios Sebastiane que concede el colectivo LGBTI (no oficial)

 

.- (*) “El secreto de Marrowbone” (“Marrowbone”, Sergio G. Sánchez, España):

 

Terror. Se presenta en la Sección Oficial pero fuera de concurso. Vista en pase de prensa en el Teatro Principal. Durante la proyección y aunque se trataba de una película de terror ha habido risas y algunos comentarios en voz alta poco o nada respetuosos. De acuerdo que la película es mala pero no aplaudas al final, o silba o patea (como se hace muy sanamente en Valladolid).

 

Sinopsis: La familia Marrowbone se traslada a una nueva casa. Parece que una maldición, relacionada con un padre ausente, les persigue. La madre fallece y los hermanos tienen que hacerse cargo de la granja y de ocultar el fallecimiento de la madre hasta que el mayor cumpla la mayoría de edad. Pero algo o alguien en la casa les acechará…

 

A veces nos creemos que todos los guionistas pueden ser directores de cine y es un craso error (el gran Rafael Azcona jamás dirigió una película, ni siquiera un cortometraje, y los David Mamet no abundan precisamente). Plasmar una idea en un papel es una cosa y materializarla en imágenes y encadenar esos planos en una secuencia y las secuencias en una película para que ésta funcione es algo radicalmente diferente. Se trata de una ópera prima de este guionista que aunque el conjunto es fallido tiene secuencias muy meritorias y otras que rozan el ridículo. Está claro que una cosa son los árboles y otra el bosque. Si el director se sobrepone a este fallido debut puede, en el futuro, darnos obras mucho más aceptables. Este título en Sitges o en Nocturna estoy seguro que habría sido recibido de forma mucho más positiva (lo cual no altera la calidad final del producto).

 

Palabra clave: Familia. Hermanos. Casas. Maldiciones. Padres-hijos.

 

Tráiler: https://youtu.be/iugYO0PXchE

 

 

.- (*) “Morir” (Fernando Franco, España):

 

Drama (más bien dramón). Participa en la Sección Oficial pero fuera de concurso. Vista en pase de prensa en el Teatro Principal. Aplausos al final que no comparto. Lenguaje narrativo clásico si bien se percibe que el director intenta, de forma fallida, cierta heterodoxia narrativa. Como he escrito en Twitter creo que hay mucha impostura con ínfulas de modernidad. ¿Se es más moderno por alargar innecesariamente la duración de un plano? ¿Por sugerir en fuera de campo una acción?... Mi respuesta a estas preguntas es no e incluso esa pretensión me puede resultar incluso más falsa. Ya sé que el cine es ficción pero ésta debe ser verdad y en este caso hay tanta verdad, tanta realidad, que invalida (en mi opinión) esa utilización formal del Cine. Me explico y trato de justificar mi argumentación: en formato documental hubiera funcionado muy bien. Una película de ficción en la que lo único que se nos muestra es el proceso de deterioro físico, el dolor que ambos sufren y el inevitable final sin que haya algo más me parece un simple argumento. Recomiendo ver “Amarga victoria” (Edmund Goulding, 1939) donde Bette Davis muere de un tumor cerebral. Decía Casey Robinson, su guionista, aunque en relación al otro título, que “añadir algo de sal a lo dulce convertía a la historia en algo más redondo”. Pues eso.

 

Sinopsis: Luis (Andrés Gertrúdix) está gravemente enfermo. Marta (Marian Álvarez), su pareja, trata de afrontar esta terrible situación.

 

Aunque el guión partía inicialmente de una novela de Arthur Schnitzler al final, según declaraciones del director, se fue apartando de ese sustrato inicial para quedar en una suerte de inspiración. La película está exclusivamente centrada en sus dos personajes principales, en su historia de amor, dolor, lucha, angustia… e interpretada por Marian Álvarez y Andrés Gertrúdix que logran dar carácter a sus personajes. Afirma el director que no es como los telefilmes que giran en torno a una enfermedad sino que más bien se centra en sus consecuencias. Evidentemente me parece un absurdo afirmar eso dado que cualquier telefilme de sobremesa que plantee esta cuestión, va a mostrar, inevitablemente las reacciones de sus personajes, las consecuencias de la enfermedad. Se podría haber titulado como aquella célebre película con la que guarda alguna relación: “La fuerza del cariño” (James L. Brooks, 1983) o “La fuerza del dolor”…

 

Palabras clave: Tumor. Enfermedad. Cáncer. Dolor.

 

Tráiler: https://youtu.be/h58TSxAmUWg

 

(Nota: llevo unos días viendo en el hospital, en la misma habitación que mi hija, a una mujer de unos 45 años en fase muy avanzada de ELA. Su marido permanece durante horas sentado al lado de su cama, prácticamente sin moverse, siempre pendiente de un gesto, de una sonrisa. Ella permanece prácticamente inmóvil, sólo puede mover muy ligeramente la cabeza y habla con enorme dificultad. De hecho sólo su marido es capaz de interpretar las escasas palabras que ella logra pronunciar. Jamás olvidaré sus lloros después de que unas enfermeras hayan pasado a limpiarla. ¡Qué dolor! ¡Cuánto sufrimiento! Llevan nueve años en una guerra que saben que van a perder. Una muerte a cámara lenta. Tienen un hijo de 25 años. Se llama Diana)

 

 

.- “La peste” (Alberto Rodríguez, España):

 

Un caso curioso dado que se trata de una serie para televisión de la cual se han proyectado los dos primeros capítulos. Lógicamente se presenta fuera de concurso pero dentro de la sección oficial. He de reconocer que me he salido a los 30 minutos de proyección (y conmigo, o yo con ellas, otras personas). Creo que es la primera vez que abandono (o la segunda, no estoy muy seguro) pero se me estaba haciendo muy cuesta arriba. Primero por la nula dicción de los actores, lo cual, unido al acento sevillano, andaluz (o el que fuera) y el argot de la época se hacía difícil de entender. En esos 30 minutos todo era negritud, miseria, mucho deambular la cámara por unas calles llenas de chabolas, suciedad, pobreza y poco más. Sí, empezaba a trazar una historia de búsqueda de un niño pero me parecía tan insustancial, tan carente de interés que, unido a lo otro, me ha llevado a levantarme y aprovechar el tiempo de forma más productiva. Es lo malo de este formato serie que tratan de dotar de contenido a varios episodios cuando en realidad no pasaría de ser un simple largometraje. De todas formas y como se trata de una serie de televisión ya la veré en la pequeña pantalla para opinar más justamente.

 

Destacar el cartel publicitario que se ha colocado frente al Hotel María Cristina ciertamente muy original.

 

Imágenes del rodaje: https://youtu.be/I68CGc2VR3E

 

 

.- (***) “La buena esposa” (“The wife”, Björn Runge, Suecia-GB):

 

Drama. Clausura fuera de concurso la Sección Oficial. Pase de prensa en el Teatro Principal. Aplausos al final. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Un famoso escritor americano es informado de que ha ganado el Premio Nobel de Literatura. Junto a su mujer y su hijo marchan a Estocolmo para recoger tan prestigioso reconocimiento. Pero las cosas no son lo que parecen.

 

Muy buena. Glenn Close (que ha acudido al Festival) y Jonathan Pryce forman una pareja fabulosa. El guión traza muy bien la historia, intercalando algunos flash-back, que te permiten, en el tiempo presente, comprender cuál era la naturaleza de la verdadera relación entre ellos: como marido y mujer y como escritores. Desde luego es una película muy reivindicativa de esas mujeres que parecen permanecer a la sombra de sus maridos, cuando en realidad son ellas las auténticas autoras, creativas, genios con talento eclipsadas, normalmente, por el egoísmo machista de sus maridos que no aceptan que sus mujeres puedan tener más talento que ellos. Personalmente estaría encantado si mi mujer fuera una famosa escritora o científica o… (lo que fuera).

 

Palabras clave: Literatura. Escritores. Nobel. Mentiras. Padres-hijos.

 

Nota: De vuelta a casa vuelvo a ver esa maravillosa película que es (****) “La vida privada de Bel Ami” (Albert Lewin, 1946) y casualmente vuelve a aparecer el personaje de una mujer que “ayuda” al neófito periodista “Bel Ami” (George Sanders) a dar forma a sus artículos, a estructurarlos y corregirlos, una labor que ya realizaba con su marido periodista.

 

 

Perlas de otros Festivales

 

Todas las películas de esta Sección participan para el Premio del Público-Ciudad de Donostia que finalmente obtuvo (y de forma muy merecida) esa excelente película que es “Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri

 

.- (**) “Call me by your name” (Luca Guadagnino, Italia-Francia):

 

Drama. Inaugura esta importante sección donde se recopilan títulos que este año han destacado en los grandes Festivales de Berlín, Cannes, Venecia… Antes de la proyección se ha proyectado un mensaje grabado de Luca Guadagnino agradeciendo que su película inaugure “Perlas” y ha terminado diciendo “Mucho amor” lo que se entiende muy bien una vez vista la película. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Verano de 1983. En algún lugar del norte de Italia. Oliver, un estudiante que prepara su tesis, llega a casa de su profesor para pasar unas semanas. Allí conocerá al hijo del profesor Elio, un adolescente de 17 años que está despertando su sexualidad.

 

Indudablemente es una película que transmite una notable sensibilidad. La historia va avanzando de forma correcta, con el ritmo narrativo apropiado hasta llegar a un desenlace asumible con un plano final absolutamente conmovedor e inolvidable. Es sabido que en el periodo de la adolescencia se dan esas experiencias homosexuales que obedecen a la lógica de una búsqueda de la identidad sexual de cada uno/a. Son etapas de descubrimiento, de aventura, de experiencias que muy posiblemente marcarán el resto de tu vida (o no). Y esto queda muy bien trazado en el guión. Hay una conversación donde se menciona a Luis Buñuel del que dicen que era un genio (sin duda alguna)

 

Palabras clave: Juventud. Homosexualidad. Verano.

 

Tráiler subtitulado en español: https://youtu.be/gzEyLe5gqFA

 

 

.- (**) “El tercer asesinato” (Hirokaru Kore-eda, Japón):

 

Thriller. Vista en el Teatro Victoria Eugenia en pase matutino. Aplausos al final que no comparto. Se presentó en la sección oficial a concurso de Venecia donde no obtuvo ningún reconocimiento. Lenguaje narrativo clásico si bien empieza “in media res”, mezclando diferentes tiempos narrativos.

 

Sinopsis: Un hombre asesina a otro junto a un río y le prende fuego. Está en la cárcel y se confiesa autor del crimen. Un abogado, cuyo padre fue juez y ya sentenció al presunto asesino, se hace cargo del caso descubriendo que detrás de ese asesinato se ocultaba una historia de abusos.

 

Es la primera vez que Kore-eda prueba con el género del thriller (algo muy común en Corea del Sur) pero inédito en este cineasta japonés más abonado al drama (el año pasado pudimos ver también en Perlas “Después de la tormenta”). En mi opinión su salto ha resultado fallido, la historia se alarga más de lo innecesario (125 minutos) cayendo en la reiteración (que parece que es el mal de nuestro tiempo en los guiones). No acierta con la tensión narrativa que se supone debe tener llegando al fatídico punto de que sientes que te da igual lo que suceda. Quizás el error parte de no centrar la historia en un único personaje con lo cual no sabes si estás del lado o con el abogado, con el asesino, con la niña…

 

Palabras clave: Abogados. Malos tratos. Violación. Pederastia.

 

Teaser subtitulado en español: https://youtu.be/2BO-c1R0Ej4

 

 

.- (***) “Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri” (Martin McDonagh, GB):

 

Comedia negra. Muy aplaudida en el Teatro Victoria Eugenia. Lenguaje narrativo clásico. Se presentó a concurso en Venecia donde obtuvo el premio al mejor guión y no me extraña… Muchos aplausos al final y muchas risas.

 

Sinopsis: Han pasado varios meses sin que la policía haya averiguado quienes fueron los culpables del asesinato y violación de una joven de la localidad. Su madre (Frances McDormand) para forzar que la policía investigue, contrata tres anuncios publicitarios en una carretera de poco paso y cerca de su casa donde, incita, provoca, a que el jefe de la policía siga investigando.

 

Fabulosa. El guión es increíble y sorprende la facilidad con la que pasa de una secuencia dramática a otra cómica. En ningún momento estos cambios bruscos (y hay varios) te dejan descolocado. Todo fluye con normalidad dentro de la comedia negra en la que nos encontramos. Parece inaudito hacer una comedia de este tema (la lucha de una madre para que la policía no abandone el caso del asesinato de su hija) y sin embargo el director, que también es el guionista, lo logra de forma ejemplar. Más allá de Frances McDormand, que  está que se sale, hay mucho de los hermanos Coen en la ironía, la mordacidad, la mala leche que se despliega. Destacar el resto de los actores que participan (Woody Harrelson, Sam Rockwell,…)

 

Palabras clave: Muerte de una hija. Violación. Corrupción policial. Racismo. Madres.

 

Se ha alzado, de forma muy merecida, con el Premio del Público-Ciudad de Donostia.

 

Tráiler en español: https://youtu.be/DnCtBwjf-bo

 

.- (***) “120 pulsaciones por minuto” (“120 battements par minute”, Robin Campillo, Francia):

 

Drama. Pase en el Teatro Victoria Eugenia. Muchos aplausos al final. He podido sentir en una secuencia cómo se podía cortar el silencio de la sala, un momento absolutamente mágico; es algo difícil de explicar pero que se percibe, que se siente en el ambiente. Se presentó en Cannes 2017 donde obtuvo el Gran Premio del Jurado y el Premio Fipresci. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Siglo XX. París a principios de los años noventa. Un grupo de jóvenes activistas del “Act-up París” tratan de generar conciencia sobre el Sida realizando actuaciones poco ortodoxas para llamar la atención y hacer visible a la sociedad la enfermedad.

 

Muy dura. Es de esas películas que duelen en el alma, en el corazón. Es cierto que le sobra metraje (143 minutos) y quizás se podría haber condensado de una forma más práctica, de hecho hay secuencias que se podían haber suprimido y no restaban un ápice de información o de emoción. Fueron años terribles donde el Sida acabó con la vida de miles de jóvenes (y no tan jóvenes) que se infectaron por drogas (jeringuillas compartidas), relaciones sexuales sin protección, transfusiones de sangre… Gran parte de la Sociedad tenía (y seguramente tiene) esa idea de “castigo divino” contra homosexuales y drogadictos. En el fondo querían olvidar que estábamos hablando de seres humanos, de jóvenes que eran hijos-hermanos que habían optado por una identidad sexual o por desgracia, caídos en la droga, y que parecían irremediablemente condenados a una pena de muerte a cámara lenta. No puedo olvidar las fotografías de Nicholas Nixon (ahora en exposición en Madrid) de la evolución de varios enfermos de Sida… Afortunadamente se ha avanzado mucho en la lucha contra esta terrible enfermedad pero han sido miles los que se han quedado por el camino.

 

Palabras clave: Sida. Juventud. Farmacéuticas. Sanidad. Lucha social. Homosexualidad

 

Le han otorgado el Premio Sebastiane que concede el colectivo LGBTI.

 

Tráiler subtitulado en español: https://youtu.be/x_VVR23aH4o

 

 

.- (***) “The Florida Project” (Sean Baker, USA):

 

Drama. Vista en el Teatro Victoria Eugenia. Muchos aplausos. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Es verano. Hay vacaciones escolares y un grupo de niños viven diferentes aventuras en el motel donde residen con sus padres. Es un establecimiento algo destartalado para adultos con escasos recursos económicos. Moonee (Brooklynn Prince) que vive con su madre, es una inquieta niña de seis años amante de las travesuras.

 

Se presentó en Cannes en la sección “Un certain regard”. Tristes infancias cuando detrás de sus sonrisas sólo hay miseria. La pequeña actriz Brooklynn Prince es un portento (en la fotografía en el medio). Sin duda alguna otra futura actriz de éxito. Willem Dafoe interpreta de forma impecable a Bobby, el encargado del motel. Estoy seguro que puede recibir alguna nominación al Oscar. Es vergonzoso comprobar cómo en la primera potencia mundial (económica y militar) existen millones de personas que viven en la pobreza más absoluta y que para sacar a sus hijos adelante, para poder comer, tienen que robar o prostituirse. El Tercer Mundo dentro del primero, algo que se ha incrementado de forma muy triste en los últimos años con los inmigrantes y/o refugiados. Sean Baker un director a seguir muy de cerca.

 

Palabras clave: Infancia. Prostitución. Madres. Pobreza. Miseria.

 

Tráiler subtitulado en español: https://youtu.be/tiJkBSpZLro

 

 

.- (**) “Amando a Pablo” (“Loving Pablo”, Fernando León de Aranoa, España-Bulgaria):

 

Drama. Vista en pase de prensa en el Teatro Principal. Algunos aplausos al final (no muchos). Algunas risas durante la proyección que se centraban en el inglés de Penélope Cruz y en algunas de sus muecas interpretativas. Se ha proyectado en inglés con subtítulos al español. En este sentido Javier Bardem parece que lo hace muy bien pero es verdad que la voz de Penélope Cruz en inglés suena raro, quizás nuestra falta de costumbre. Otra cosa es, para mí, el error en que Penélope interprete este papel. Creo que hubiera sido mucho más sensato haber contratado a una actriz hispana con buen dominio del inglés. El conjunto hubiera sido más creíble. Indicar que Javier Bardem figura como productor. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Pablo Escobar se ha convertido en el más poderoso narco de Colombia. Los Estados Unidos tratan de atraparlo para evitar que siga colocando miles de toneladas de cocaína en territorio estadounidense. Una famosa presentadora de la televisión colombiana se enamora de él viviendo una turbulenta relación.

 

Como indicaba antes la presencia de Penélope Cruz y el hecho de que la película la narra ella a través de su voz en off lastra todo el conjunto. Fernando León de Aranoa debería haber formulado otra estructura narrativa que no precisase de ese manido recurso. Tiene secuencias muy impactantes. La gente ha comentado que recuerda mucho a la serie “Narcos” de Neflitx. A este respecto no puedo opinar porque no la conozco. Sí me ha recordado algo a (***) “Sicario” la excelente película de Denis Villeneuve que evidentemente está mucho mejor estructurada y resulta más sólida que “Loving Pablo”. El guión le corresponde en solitario a Fernando León de Aranoa y le noto poco convencido del material que maneja. La película que dura 122 minutos le sobran claramente unos cuantos minutos de secuencias un tanto reiterativas que no aportan nada a la narración. Por cierto han acudido a San Sebastián los dos (Penélope y Javier) al igual que hicieron cuando se presentó en Venecia.

 

Palabras clave: Drogas. Narcos. Periodismo.

 

Una secuencia: https://youtu.be/NSDaVVqAm4o

 

 

.- (**) “En cuerpo y alma” (“On body and soul”, Ildikó Enyedi, Hungría, 2017)

 

Drama. Vista en Madrid en pase previo gracias a la distribuidora de la película Karma Films. Se trata del último Oso de Oro que logró esta directora húngara.

 

Sinopsis: Siglo XXI. Actual. Budapest. Él trabaja en un matadero como encargado. Ella es la nueva inspectora de calidad. Y ambos son muy introvertidos. Un incidente les hará descubrir que comparten mucho más en sus anodinas vidas.

 

Un drama de difícil plasmación visual dado su argumento. Es de esas películas que se van digiriendo poco a poco, dejando reposar sus planos, sus secuencias, sus sensaciones. Encajaría en lo que normalmente se denomina Cine de Autor y que en este caso, estoy seguro, no se traducirá en un éxito comercial (agradezco a la distribuidora su firme apuesta por este tipo de Cine alejado de superhéroes y demás zarandajas).  Tiene un tempo narrativo sosegado y una historia que avanza al ritmo necesario para ir, poco a poco, descubriéndonos nuevos detalles que enriquecen la trama.

 

Palabras clave: Trabajo. Empresas. Timidez. Sueños. Introversión.

 

Tráiler: https://youtu.be/EfGeMbSEx9k

 

 

.- (**) “Borg/ McEnroe” (Janus Metz, Suecia-Dinamarca-Finlandia):

 

Drama. Vista en pase de prensa con muy poca gente en el Teatro Principal. Aplausos al final. Lenguaje narrativo clásico con utilización de numerosos flash-back.

 

Sinopsis: 1980. Borg es el número 1 del ranking mundial de tenis pero últimamente tiene algunas dudas sobre su estado físico. Pronto se jugará el campeonato de Wimbledon y McEnroe, un arrogante tenista estadounidense, amenazará su corona.

 

He disfrutado muchísimo. A pesar de ser una historia conocida y saberse cuál fue el desenlace de ese campeonato de Wimbledon, el director sabe, quizás gracias al guión de Ronnie Sandahl, ir avanzando en la historia, mezclando diferentes momentos de la evolución de ambos tenistas hasta un desenlace que logra ponerte la carne de gallina (o de pollo). Es increíble el parecido físico de los actores con los tenistas reales y los dos están geniales.

 

Palabras clave: Deporte. Tenis. Rivalidad.

 

Tráiler: https://youtu.be/IgfFdEOGUqE

 

 

Zabaltegi-Tabakalera

 

.- (**) “The Square” (“El cuadrado”, Ruben Östlund, Suecia-Alemania-Dinamarca-Francia):

 

Comedia negra. Vista en la Sala 3 de los Cines Príncipe a tope de espectadores. Aplausos al final. Inaugura esta Sección. Se trata de la última Palma de Oro en Cannes (con Pedro Almodóvar como presidente del Jurado)

 

Sinopsis: Christian (Claes Bang) es el programador del Museo de Arte Contemporáneo. Se dispone a inaugurar la exposición “The square” centrada en valores humanos como la confianza hacia nuestros semejantes, la fraternidad… Sin embargo un incidente pondrá en tela de juicio sus propias convicciones.

 

Un estudio sobre la naturaleza humana del que no salimos muy bien parados. El conjunto es fallido aunque, eso sí, tiene secuencias memorables, inauditas por su valentía y arrojo. En el otoño de 2014 se realizó en el Museo Vandalorum en el sur de Suecia una exposición con este título “The Square” (“El cuadrado”) centrada en la armonía social y las decisiones individuales que a este respecto todos debemos tomar. Y este es el fondo que subyace en esta película: ¿Hasta qué punto somos personas sensatas, preocupadas por nuestro entorno, comprometidas con el bien común…? El personaje que interpreta Claes Bang es un compendio de todas esas miserias que todos llevamos dentro. Lo cual no es fácil de mostrar. Del conjunto de la película me quedo con esa crítica, yo creo que muy acertada, que dirige hacia la falsedad de una gran parte del arte moderno y que enlaza con una serie que vengo publicando en Twitter a la que yo titulo: ¿Es esto Arte?....

 

Palabras clave: Arte. Pobreza. Publicidad. Museos.

 

Tráiler subtitulado en español: https://youtu.be/2jo5ZQ-lcEw

 

 

.- (***) “Wonderstruck” (“El museo de las maravillas”, Todd Haynes, USA):

 

Drama. Vista en el Teatro Principal en Pase de Prensa. Muchos aplausos. Se presentó en Cannes. Una producción de Amazon.

 

Sinopsis: Ben y Rose son dos niños que viven en tiempos diferentes. Ella es sorda y vive en 1927. Él en 1977. El destino hará que sus caminos se crucen.

 

Está basada en la novela de Brian Selznick que escribe también el guión. Una película muy especial que sólo puede disfrutarse en pantalla grande. La banda sonora de Carter Burwell es excepcional. El pasado se nos muestra en blanco y negro y casi como si fuera una película muda. El presente (1977) es en color. Las dos épocas se van mezclando desgranando, poco a poco, la historia, haciendo crecer a sus personajes. Tiene secuencias fabulosas que recuerdan al mejor cine de todos los tiempos. Todd Haynes es sin duda alguna uno de los directores más importantes que tenemos ahora mismo. Deseando volver a verla para disfrutar plano a plano, secuencia a secuencia, de lo mucho que contiene.

 

Palabras clave: Infancia. Sordos. Discapacitados. Museos.

 

Tráiler: https://youtu.be/nu8X9ALV4fo

Una secuencia: https://youtu.be/UYzSXWukOWA

 

 

 

.- (***) “Happy end” (Michael Haneke, Alemania-Francia-Austria):

 

Drama. Vista en el Teatro Victoria Eugenia. Aplausos al final. Lenguaje narrativo clásico si bien trata de dar un aire de modernidad con ese inicio y ese final con la imagen que capta un móvil. También incorpora algunos planos de pantallas de ordenador. Se presentó en Cannes en la sección oficial donde no recibió buenas críticas (pero esto es siempre tan relativo…).

 

Sinopsis: Un familia de la alta burguesía gracias a una empresa de construcción. El anciano patriarca (Jean-Louis Trintignant) está muy cansado y quiere suicidarse. Su hija (Isabelle Huppert) es la que lleva principalmente el negocio aunque trata de que su joven hijo vaya tomando las riendas. A su alrededor otras historias familiares irán surgiendo y poniendo en entredicho el vínculo familiar.

 

Haneke mostrando el lado oscuro que todos tenemos. Utiliza referencias a las nuevas tecnologías (el móvil de la adolescente), o las pantallas de ordenador con los chats. Asimismo inserta varios planos de los más desfavorecidos, inmigrantes, la propia familia que sirve en la mansión, como queriéndonos decir que al lado (e incluso dentro) de ese mundo de ricos, de opulencia, habitan otros muchos seres humanos que no han  tenido tanta suerte. Haneke hace gala de una gran inteligencia a través de su ironía, de su mala leche y de su negro humor. Resulta “gracioso” como nos muestra que tanto el anciano como la adolescente de 13 años coinciden, ambos y a pesar de su diferencia de edad, en el mismo propósito. Muchos hablan de un Haneke menor. Para nada, su acidez, su ironía, su provocación están muy presentes. Fabulosa Fantine Harduin que interpreta a la adolescente. El final, que de happy no tiene nada, aunque no puedes evitar la carcajada,  es la leche y no pienso decir ni una palabra más.

 

Palabras clave: Familia. Alta burguesía. Suicidio.

 

Tráiler: https://youtu.be/sVp9qxb8ftQ

 

 

.- (***) “The Leisure Seeker” (Paolo Virzi, Italia):

 

Vista en el Teatro Victoria Eugenia. Aplausos al final. Narrativa cinematográfica clásica. Se presentó a concurso en Venecia donde no obtuvo reconocimiento.

 

Sinopsis: Ella (Helen Mirren) y John (Donald Sutherland) viven juntos en su vejez. Sus hijos quieren separarlos y que vayan a vivar con ellos. John empieza a tener síntomas de Alzheimer y Ella tiene cáncer. Juntos emprenderán una última aventura a bordo de su vieja autocaravana.

 

Mucho talento hay en este director, y mucha sensibilidad. De haberse presentado a concurso en la Seminci estoy casi seguro que habría vuelto a ganar la Espiga de Oro (el año pasado lo consiguió con la excelente “Locas de alegría”). Particularmente me ha parecido de esas películas “bonitas” que se ven con mucho agrado, en la que te metes en la piel de los personajes (en este caso y por igual en la piel de los dos). Que comprendes el por qué de ese último viaje y que entiendes que el desenlace, previsible, tiene que ser ese y no otro. Una road-movie de la VIDA donde inevitablemente, nos acompaña la muerte. Me hace recordar ese bello poema de Claudio Rodríguez que dice. “…que estemos en derrota, pero jamás en doma”. Me sorprende que en Venecia no consiguieran, cualquiera de ellos, la Copa Volpi al mejor actor-actriz.

 

Palabras clave: Alzheimer. Vejez. Padres-hijos. Road-movie. Suicidio. Eutanasia

 

Tráiler: https://youtu.be/XVZHP61YQYg

 

 

Proyecciones de los Premios Donostia

 

.- (***) “Visages, Villages” (Agnès Varda y JR, Francia):

 

Lo mejor que he visto hasta este momento en el Festival (noche del sábado 23 de septiembre). En realidad se trata de un documental que no responde a los patrones clásicos narrativos.

 

Sinopsis: Varda y JR recorren con el camión fotográfico de éste diversas localidades de Francia para conocer a diferentes personas y sus historias.

 

La libertad cinematográfica es total. Desprende una frescura, una verdad, un amor por el cine, por el arte, que sales de la proyección con una sonrisa que te hace ver el mundo como un lugar mejor. Es increíble lo de esta mujer. Ya quisiéramos muchos tener su vitalidad con 86-87 años. Toda la parte del viaje para ir a ver a Godard es memorable y su desenlace más: “Godard eres una rata”…  dados los problemas de visión que Varda tiene hay un momento que menciona y salen imágenes de  a “El perro de andaluz” de Luis Buñuel (segunda mención que veo en las películas del festival al gran Buñuel). El joven JR demuestra asimismo una gran sensibilidad y un gran talento. Hacen una pareja extraña y fantástica.

 

Palabras clave: Fotografía. Arte. Pueblos.

 

Tráiler: https://youtu.be/dmHG5HXYc9w

 

 

.- (*) “La cordillera” (Santiago Mitre, Argentina-España-Francia):

 

Drama. Pase de prensa en el Teatro Principal. Al finalizar nada de aplausos, nada de pitidos. Yo creo que nos hemos quedado todos incrédulos de lo que hemos visto. Casi, casi, un ladrillo. Se proyecta con motivo de la entrega del Premio Donostia a Ricardo Darín.

 

Sinopsis: El presidente de Argentina (Ricardo Darín) marcha a una cumbre de países sudamericanos en Chile. Los diversos problemas familiares se mezclarán con las luchas de poder político a propósito del petróleo.

 

Se presentó en Cannes en la sección “Un certain regard” y en Toronto. Me pregunto muchas veces qué les pasa a los guionistas de hoy, tanto taller, tantos libros de aprendizaje, tantos programas de ordenador para definir guiones… y a la hora de la verdad, que es llegar a la mente y/o al corazón-alma del espectador fallan estrepitosamente. En este caso, y por supuesto, es mi opinión han querido mezclar dos historias: 1ª, a nivel político con la celebración de la cumbre de Presidentes y 2, a nivel personal con la hija del Presidente de Argentina que tiene ciertos problemas (¿House of cards?). Y el resultado final es un fiasco. De haber planteado la película sólo a ese nivel de thriller político creo que habría funcionado mucho mejor, de hecho son las únicas secuencias que resultan convincentes. Por cierto Daniel Giménez Cacho como presidente de México está fabuloso ¡Qué gran actor!

 

Palabras clave: Política. Petróleo. Poder. Hipnosis.

 

Tráiler: https://youtu.be/1QkBK7017KQ

 

Se ha estrenado el 29 de septiembre de 2017 y no puedo entender las valoraciones críticas tan positivas que está obteniendo.

 

 

Velódromo

 

.- (*) “Operación Concha” (Antonio Cuadri, España):

 

Comedia. Vista en pase de prensa en el Teatro Principal. Algunos aplausos al final (muy pocos). Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: San Sebastián. Un productor de cine trata de estafar a una inversora mejicana para que invierta en su próxima película utilizando a un doble de una gran estrella.

 

Para olvidar. ¡Qué horror! Sirve para pasar el rato aunque esto también nos cuesta. Los comentarios en redes sociales han sido demoledores. Rozando el (o)-espantosa. Más falsa que… paso de símiles.  Se ha estrenado el 29 de septiembre y tengo la sensación de que está pasando por la taquilla con más pena que gloria.

 

Palabras clave: Cine. Estafas. Actores. Dobles.

 

Tráiler: https://youtu.be/lk-eMSmJBi0

 

 

.- (*) “Fe de etarras” (Borja Cobeaga, España):

 

Comedia. Vista en pase de prensa en el Teatro Principal. Me ha sorprendido el escaso público presente, pensaba que atraería más espectadores por aquello del morbo político. Algunos aplausos al final y algunas risas, pero los comentarios en redes han sido, como era de esperar y una vez vista la película, muy malos. Lenguaje narrativo clásico. Producción de Netflix.

 

Sinopsis: Un comando etarra se instala en un piso franco de Madrid durante el Mundial de fútbol de 2010 a la espera de instrucciones para actuar.

 

Un mal chiste dentro de un pésimo guión o mejor dicho: una sucesión de chistes. No dudo que se puede hacer comedia de acontecimientos trágicos pero la sátira precisa de inteligencia. Para darle publicidad Netflix colgó un enorme cartel en un edificio de San Sebastián con la frase “Yo soy español” tachada (la película se ambienta en el 2010 cuando España ganó la Copa del Mundo) lo que parece ser que ha llevado a la Fiscalía a investigar esta acción publicitaria (fue archivada). Particularmente y aunque al principio te choca algo, bien pensado no creo que suponga ningún tipo de delito. Lo circunscribo al ámbito meramente provocador que buscan, lícitamente, algunas campañas de publicidad. No veo ni falta de respeto ni humillación para nadie. A veces, y digo a veces, reírnos de nosotros mismos, sin faltar al respeto, es un buen bálsamo de fierabrás. Más allá de esas connotaciones políticas la película falla como comedia. Los comentarios en redes han sido muy negativos pero incidiendo en lo mismo: su escasa calidad cinematográfica.

 

Palabras clave: Terrorismo. ETA. Fútbol. Mundial.

 

Tráiler: https://youtu.be/OQsp52Fs9Yk

 

Una vez estrenada en Netflix me sorprenden algunos comentarios muy positivos leídos en redes sociales (principalmente Twitter) que parecen obedecer más bien a los consabidos aduladores. No exageremos. Como he escrito se trata de una comedia políticamente inocua y cinematográficamente banal.

 

 

 

Gala TVE

 

.- (**) “La llamada” (Javier Ambrossi y Javier Calvo, España):

 

Vista en pase de prensa en el Teatro Principal con mucha gente joven y entre ellos muchos miembros de los equipos que se hacían notar desde el primer segundo y aunque, personalmente es algo que no me gusta, darles las gracias porque poco a poco se ha ido calentando la sala, de forma merecida, y muchos hemos sido testigos de divertidos momentos que no se olvidarán. Adaptación cinematográfica de la obra teatral. Lenguaje narrativo clásico.

 

Sinopsis: Un campamento de verano en Segovia. María (Macarena García) y Susana (Anna Castillo) son dos jóvenes que buscan divertirse saltándose las normas de las monjas. María empieza a tener unas extrañas visiones mezcla de religión y musical.

 

Muy divertida. Tiene secuencias maravillosas, muy conseguidas. Una buena comedia musical con la que he disfrutado muchísimo. El conjunto de canciones son francamente buenas, divertidas. La aparición inicial de Richard Collins-Moore es desternillante. Tiene la frescura de “Grease” y eso son palabras mayores. Leiva interpreta el tema principal, los temas Whitney Huston, todo confluye de forma muy exitosa hacia un desenlace simpático y correcto. Muy recomendable. Espero que sea un éxito de taquilla. Lo merece.

 

Tráiler: https://youtu.be/jc9PIBWSNjA

Canción de Leiva: https://youtu.be/1Iwlkb5yM7g

 

 

Joseph Losey

 

Como siempre que acudo a San Sebastián he dedicado el último día (sábado) a ver alguna de las películas de la retrospectiva.

 

.- (**) “Las rutas del Sur” (“Les routes du Soud”, Joseph Losey, 1978, Francia-España):

 

Con guión de Jorge Semprún. Una película muy anclada al tiempo de la transición española. Me ha llamado la atención la fotografía de tonos muy rojizos que se emplea. La historia se sitúa en 1975 poco antes de la muerte de Franco. El poema de Miguel Hernández “Llegó con tres heridas” en una versión musical que desconozco suena de forma repetitiva hasta en tres ocasiones. Se desarrolla una historia paralela donde Yves Montand está escribiendo sobre Korpik un soldado alemán y comunista que en junio de 1941 deserta para avisar a los soviéticos del ataque eminente de los nazis. Claramente la película confronta las dos generaciones: la de aquellos que tuvieron que exiliarse y la de sus hijos que viven en Francia con otras pretensiones que nada tienen que ver con la dictadura en España.

 

Una secuencia: https://youtu.be/C8YJt8U4lCA

 

 

.- (**) “Los baños turcos” (“Steaming”, Joseph Losey, GB, 1984):

 

Esta fue la última película de Losey. Claramente se trata de una obra teatral que prácticamente se desarrolla en el escenario único de los baños. Una película de mucho diálogo con grandes actrices (Vanessa Redgrave, Sarah Miles, Diana Dors…) que hablan y hablan de sus problemas, de sus relaciones con los hombres, de sus necesidades, de sus sueños.

 

Película completa en inglés: https://youtu.be/DrABP-XN1Vs

 

 

.- (***) “El merodeador” (“The prowler”, Joseph Losey, USA, 1950):

 

No la conocía y me ha sorprendido gratamente. Un ejemplo de cine negro donde, en este caso, todo el conflicto es consecuencia de un “hombre fatal”. Corresponde todavía a su etapa americana. El guión está escrito por Dalton Trumbo lo cual explica muchas cosas. Un policía (Van Heflin) conoce en acto de servicio a una bella mujer (Evelyn Keyes) de la cual se enamora sin remedio. Pero ella está felizmente casada con su marido, o al menos, cómodamente casada. El asesinato del marido será la “solución”…

 

Tráiler: https://youtu.be/uF14oWy_ujM

 

 

.- Sesión de cuatro cortometrajes:

 

(**) “A chil went forth” (Joseph Losey, 1942, USA)

 

Cortometraje documental. Un campamento de verano donde los niños juegan, conviven, se pelean… descubren la vida.

 

Completo en inglés: https://youtu.be/85nJ5UHLlt0

 

 

(**) “A gun in his hand” (Joseph Losey, 1945, USA):

 

Cortometraje de ficción. Unos policías asisten a unas clases donde les explican la importancia de las pruebas. Gracias a una pistola pudo ser identificado un maleante que se había infiltrado en la policía para conocer sus técnicas. Me ha recordado a la película “Infiltrados” de Martin Scorsese. El análisis de las pruebas que realizan parece un claro precedente del CSI.

 

Completo en inglés: https://youtu.be/GQTWmGdrKy0

 

 

.- (**) “A man on the Beach” (Joseph Losey, 1955, GB):

 

Cortometraje de ficción. Una historia sobre robos y ciegos, que rodó para la Hammer en Eastmancolor y Cinemascope. Un tanto ingenuo pero resuelto con eficacia.

 

 

.- (**) “First on the road” (Joseph Losey, 1959, GB):

 

Un anuncio publicitario de 12 minutos que rodó para anunciar el Ford Anglia. Al parecer es la única incursión en el terreno publicitario que realizó. Resulta enormemente convincente que, en el fondo, es lo que persigue el fabricante.

 

Completo en: https://youtu.be/8lV8eiAvMjc